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Guida all’ascolto: le strutture musicali

Guida all’ascolto: le strutture musicali

Shake, Rattle and RollUno degli aspetti principali da assimilare quando si vuole apprendere un ascolto critico delle canzoni è l’interiorizzazione delle differenti strutture musicali, le quali rappresentano i possibili cammini che conducono a una composizione strumentale. L’analisi dello scheletro di una canzone permette di combinare nuove armonie e melodie. In questo breve approfondimento, ci concentreremo sulla classificazione teorica e tecnica di brani appartenenti alla musica popolare del Ventesimo/Ventunesimo secolo.
La struttura musicale è l’arrangiamento di una canzone e fa parte del processo di composizione. È tipicamente sezionale, basata sull’utilizzo di forme ripetute. Negli anni Sessanta i cantautori avevano distillato la musica popolare in tre elementi fondamentali: una strofa, un ritornello e un ponte. Perfezionarono così quella che viene comunemente riconosciuta come la forma standard della canzone pop. Questa formula era ideale per i giochi radiofonici ed è ancora ampiamente utilizzata oggi.
Forse la prima forma di canzone pop veramente americana è stata il Blues a dodici battute. Questa potente combinazione, che utilizza solo tre accordi, ha alimentato il rhythm and blues e il primo rock per decenni. Esempi riconoscibili includono Tutti Frutti di Little Richard, Hound Dog di Elvis Presley e Shake, Rattle and Roll di Big Joe Turner.

Con il passare degli anni, la musica pop ha individuato delle strutture solide da reiterare nella successione di produzioni. Il motivo per cui ciò avvenne è logico ed intuitivo: essendo la musica pop il genere maggiormente prossimo a un mercato consumabile, sono stati rilevati temi che echeggiassero con facilità nella memoria di quante più persone possibili, coscienti o incoscienti di interiorizzare un ciclo melodico difficile da non riconoscere ed apprendere in modo automatico. Analizziamo insieme i modelli di base:

1) AABA (forma a trentadue battute). Questa struttura musicale era dominante nel songwriting popolare americano nella prima metà del Ventesimo secolo, a cominciare dai grandi del pop di Tin Pan Alley come Bing Crosby e Cole Porter. I cantautori di Broadway dei primi del Novecento adattarono un formato a trentadue battute (quattro sezioni, otto misure ciascuna) dalle “ballad opera” britanniche e ne utilizzarono le variazioni per più di cinquant’anni. Di solito tiravano fuori una lunga sezione introduttiva a tempo lento chiamata “strofa” e si concentravano sulla sezione chiamata “ritornello”. Come già analizzato, questi termini hanno oggi significati diversi. La forma è composta da due sezioni A di otto misure, una sezione di otto misure B (di solito in contrasto con le prime due sezioni A) e una sezione finale di otto misure A che conserva la melodia centrale delle precedenti sezioni A . Ogni verso in genere inizia o finisce con una riga o poche righe che si ripetono per tutta la canzone, nelle quali il più delle volte si incontra il titolo della canzone. La forma a trentadue battute è diventata popolare nelle canzoni rock negli anni Cinquanta e Sessanta prima di essere messa in ombra dalla forma in versi-ritornello. Questa struttura della canzone è comune nel lavoro di artisti come Billy Joel e The Beatles. Ad esempio, in We Can Work It Out dei Beatles (1965), il ritornello è il titolo della canzone. Celebri esempi della forma a trentadue battute includono: Great Balls of Fire di Jerry Lee Lewis (1957); All I have to do is dream di The Everly Brothers (1958) e Surfer Girl dei Beach Boys (1963).

Great Balls of Fire

2) Forma ritornello. Questa è una delle forme di struttura delle canzoni più popolari, utilizzata nelle canzoni pop, nella musica rock e nel blues. In contrasto con la forma a trentadue battute, il ritornello gioca un ruolo chiave poiché differisce sostanzialmente sia nel ritmo che nella melodia dal resto della canzone. Famosi esempi di struttura della canzone in versi-ritornello includono: California Girls dei Beach Boys (1965); Penny Lane dei Beatles (1967); Foxy Lady di Jimi Hendrix (1967) e Smoke on the Water dei Deep Purple (1973).

3) ABAB. Questa struttura enfatizza l’attenzione del folk su canzoni semplici e cantabili. Spesso gli accordi non cambiano tra le sezioni, solo il testo assume delle modifiche. This Land Is Your Land di Woody Guthrie ne costituisce un ottimo esempio, e anche Born in the USA di Bruce Springsteen.

4) ABABCB. Lo schema dettagliato è: Introduzione (intro) / Strofa (verse) / Pre-ritornello (pre-chorus) / Ritornello (chorus o refrain) / Strofa (verse) / Pre-ritornello (pre-chorus) / Ritornello (chorus) / Ponte (bridge) / Strofa (verse) / Ritornello (chorus) e Outro. Questa è una variazione della struttura in strofa-ritornello, con l’aggiunta di un ponte. A è il verso, B è il ritornello e C è il ponte. Esempi famosi di struttura delle canzoni ABABCB includono: High and Dry dei Radiohead (1995) e What’s Love Got to Do with It di Tina Turner (1984).

Tangled Up in Blue5) Nessun ponte: AAA o Verso / Verso / Verso. Questa struttura non viene utilizzata spesso perché comporta così tante ripetizioni. Analogamente alla struttura AABA, anche questa struttura si basa sull’uso di un falso ritornello per mantenere le cose interessanti e per aiutare a focalizzare la canzone. Un famoso esempio di questa struttura è Tangled Up in Blue di Bob Dylan (1975). Dylan usa diverse variazioni di melodia nei versi per evitare che le cose diventino troppo ripetitive.

La strofa e il ritornello vengono solitamente ripetuti per tutta la canzone, mentre l’intro, il ponte e la coda (chiamati anche “outro”) vengono solitamente utilizzati solo una volta. Ogni verso di solito impiega la stessa melodia, con possibili variazioni in dettagli musicali, al contrario delle canzoni “composed through”, tipiche della musica classica. I testi, invece, sono soliti cambiare a ogni verso. I termini chorus e refrain – con i quali si fa riferimento al ritornello – sono spesso usati in modo intercambiabile, entrambi riferiti a una parte ricorrente di una canzone, per lo più costituita da una frase melodica o lirica. Quando viene fatta una distinzione, “refrain” è la parte che contiene “l’idea principale” del testo e della musica di una canzone, la quale raramente varia da un ritornello all’altro, mentre “chorus” consiste in parole o frasi ripetute liricamente, ma non abbastanza lunghe da essere accolte in una sezione distaccata dal resto della struttura. Esempi di “chorus” si trovano in She Loves You (“si, si, si”) dei Beatles o The Sound of Silence di Paul Simon (“fa la la la la”). Il ritornello quasi sempre prolunga la tonica e porta un testo poetico invariato. Invece, “mezzo otto” (un tipo comune di ponte) si riferisce a una sezione di una canzone che presenta una melodia e un testo diversi dal resto della composizione, che aiutano il brano a svilupparsi in modo naturale creando un contrasto con il suono precedentemente suonato. Di solito viene posto dopo il secondo ritornello. Ad esempio, Country Roads di John Denver è una canzone con un ponte, mentre You Are the Sunshine of My Life di Stevie Wonder è una canzone senza.

You are the sunshine of my lifeInfine, negli stili di musica rock, in particolare nella musica heavy metal, di solito ci sono uno o più assoli di chitarra nella canzone, spesso dopo la parte centrale del ritornello. Nella musica pop, può esserci un assolo eseguito da un sintetizzatore, da un chitarrista o da un sassofonista. Durante la sezione solista, uno o più strumenti suonano una linea melodica che può essere la melodia utilizzata dal cantante. Le canzoni pop spesso collegano la strofa e il ritornello tramite un pre-ritornello, con una sezione del ponte che di solito appare dopo il secondo ritornello. La musica rap, sebbene la sua base musicale sia spesso un modello ritmico e armonico campionato, ripetuto, utilizza diverse combinazioni di versi/ritornello che adattano in modo creativo la forma della canzone pop. Il gioco di parole in un rap è spesso radicato in uno stile “call and response” tratto dalla musica gospel e incorpora anche giochi verbali africani e afroamericani, noti come “le dozzine” e “significanti”.

I brani di danza contemporanea usano spesso una forma “passo” che inizia con una base semplice e poi, alle giunzioni di otto o sedici battute, aggiunge un nuovo elemento: una linea di synth, una voce, percussioni, ecc. In questa forma il “breakbeat” – una sezione in cui il pattern ritmico funge da assolo o si ferma completamente – spesso funziona come un ponte, fornendo una transizione tra l’inizio del passo e un ritorno alle fondamenta.

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